宣纸的文化使命：薄如蝉翼却寄情思于咫尺，承载千年的水墨丹青

互推小编 2024-01-11

宣纸是中国千百年来书画家作书画所用的材料，在中国画从传统迈向现代的过程中，宣纸也逐渐有了更加丰富的内涵。在当代画家笔下，这柔韧的纸张似乎承接了更重的任务，新的创作理想在昔日的“那张纸”上继续延伸，化为当代与前卫，人们不禁再一次将目光聚焦于这古老的宣纸上。从古到今，多少画家在宣纸上呕心沥血，将情思寄于纸上。

安徽省泾县是著名的宣纸之乡，自唐代以来，宣纸一直在这里传承、发展，逐渐形成了独特的宣纸文化。画家们展示出中国画的各种表现力——有雕塑气质的厚重、有综合材料的多样、还有传统中国画的层层积染、更有笔墨上的新意。

中国画大师李可染曾说过：“我们有幸生活在一个有宣纸的国度。”他本人通常在一刀宣纸里只选出一两张用于作画，因为只有优良的纸才能保证墨色的鲜活和浓淡干湿的层次变化。宣纸虽然多，但是每张宣纸的品性都不同，老辣的画家用纸时，笔下去就能知道宣纸的好坏，不同的画家也有不同的用纸的习惯。现存最古老的纸本中国画是唐代韩滉的《五牛图》，这五头画在黄麻纸上的牛或行、或立、或俯首、或昂头，其强健、沉稳、迟缓的特征让牛的形象生动真实，这些特点体现出的便是写意精神。

五牛图（宣纸作）

宣纸的哲学性格，柔中带刚

写意画是中国美术的灵魂所在，写意精神来自于宣纸对用笔的敏锐反映和保留，一副好的写意，虽然绘画时间不长，但却需要大量的练习积累，才能从形神、气韵到意境，都有一定的涵养。“优秀的中国画家通常对宣纸的要求很高，他们在上等宣纸上体现笔墨。我们说的写意精神实际上来自于画家对‘纸品’的要求。”

在中国文人心中，宣纸与笔墨是合为一体的，它们共同完成了中国画，宣纸对于中国画是无法被取代的。

纸发墨，绢发色。用宣纸创作虽不能贯穿整个中国美术史，但纸对于墨色细微丰富的表现却对推进中国画发展起到很大作用。特别是宋元以后的文人画是依附在宣纸特性上发展起来的，当时的大多数画家都会在画面上题字提款，字与印章有时更是整幅画面的点睛之笔，所以宣纸的使用更加增大了。如今我们更加熟悉宣纸，而宣纸之前绢的使用是很多的， “绘画在元代开始广泛地由绢转纸，在宣纸上表现色彩成为当时许多画家的难题。正如钱选为了在纸上画色彩想出很多办法，他把五代、宋代山水画里的各种皴法精炼出来，把颜色和墨色融合进宣纸。后来在文人画的推波助澜下，纸上技法逐渐成熟，‘墨分五色’开始被发挥到极致。至于色彩，早在唐代绢本绘画上已经很成熟了。”

现在画家选择绢本或者是宣纸，都是按照自己的喜好与适应度，大多数画家使用宣纸作画。许多作品尺幅大，色彩、构图都很饱满。许俊认为这是当代中国画创作的特点：“浓烈的装饰性、满构图、重色彩的作品非常多，除宣纸外，也有皮纸等其他纸品。普通画家对用纸没有过分要求，恰是忽略了对纸性的研究。”

五尺生宣纸书法

尽管这使得作品面貌稍显平均，但多材料、多技法的使用恰好是当代画家逐渐重视材料、隐藏创作主体、把客体推向前方的表现。在当代创新不断出现的绘画中，宣纸在绘画当中是否在不断改变，在水墨实验中，当代画家会利用笔和墨、纸和墨尝试新的效果，但探索传统材质依然意味着深度，不同的绘画技法，就会产生对于宣纸的不同要求。“现代创作注重各种材料的可能性，也就是跨界思维，但这还是回归到了核心本体——笔和纸的本身，它们是在材料特性的基础上寻求表现力的。

宣纸的哲学韵味，内含灵气品性

写意是最能将宣纸的灵性所表达，兼工带写更是考验一张宣纸的品性，是否既能承受水墨的浸湿，又能禁得住细笔勾勒，现在很多年轻画家在对于构图、用色方面十分独特新颖，但是在对于笔墨纸张的把控上，还需要一番打磨。

实际上，当代中国画在注重色彩表现和写实刻画方面要求更严格，这就使得如今的一些写意作品，有的只是写意手法，并不具备写意气质。其实无论工笔或是写意都可以有写意气质。现在很多作品只是画眼前所看，图像化的趋势越来越明显，也有很多写实派画家，但是这可能不是中国画的发展方向，中国画还是要从心灵中走出来。而且中国画所追求的，从来都不只是表面上的相似，从宣纸这种材料上就可以看出来，薄薄的纸张，却能流传千年之久，即便是经过岁月的侵蚀，有了更加古朴的颜色，但依旧不会减少丝毫画作的内涵，反而多了一种时间的韵味。

中国艺术研究院美研所研究员郑工认为。当我们过于追求视觉效果，能够吸引更多人的目光时，我们也应当考虑到宣纸在传统绘画千百年来已经存在的影响， “宣纸的材料源于自然，其生产的过程也是自然转化的过程。因此宣纸拥有‘纸品’——要绵柔，要让水和墨互相渗化，还要留得住笔痕。这就要求宣纸能够保色、保度、保证墨色的鲜活，还要体现浓淡枯湿的变化”，宣纸和墨的搭配是十分细腻又粗狂的，画家对于水墨的把握，笔的干湿，直接决定了墨与纸的融合程度、散发程度。老画家们多利用宣纸的“运墨性”，注意笔墨的润化效果，保持笔墨韵味。

宣纸以生动气韵承载了中国文化里的水墨丹青

绘事后素，延伸的理解是“绘事”发生在掌握“纸素”的规律之后。宣纸无疑是“始于足下”的载体，但宣纸是“活”的，也有灵性，它有自己的“脾气”，每张宣纸个性不同，中国画创作要尽笔性，更要顺纸性。宣纸不是一成不变的，当一副画作完成，还是会随着时间的推移而变化，这也真是宣纸的奇妙之处，画不再是死物，而是与人一样，会随着时间的变化而变化，我觉得宣纸是可以与画家进行对话的。当你对它有了敬畏之心，顺着它，它就会帮你的忙、听你的话。

一个好的画家，首先就会知道哪种宣纸与自己相合，画品、人品，这三种辩证关系落在画面上就构成了“气韵”，宣纸本身是气韵的一部分。董其昌谈到“气韵不可学，此生而知之，自然天授。”气韵是看不见的存在，不是形似，所以不可学，因此，董其昌提倡“读万卷书，行万里路”来增加知识，增长见识，并提高学养，进而“气韵”会自然得到，气韵是内在的、由内而外散发出的，所以要以先丰富自己的内心，从而增长气韵。画画就是和自然界对话、感应、领会的过程，这样落笔的时候不单纯停留在外部现象。从纸性纸品探讨宣纸和笔墨的关系，实际上是回归到中国画的物质性。

不可否认的是，如今对水墨的研究越来越少，我们也不再像古人一样把玩笔墨，正是因为墨汁和宣纸的普及，我们也觉得不再有新意，现在很少有画家会研磨，画家对笔性、对纸和墨的理解不像从前画家那样深入思考。在许俊看来：“很大原因在于宣纸已经普及和用墨的方便——很少有画家去研墨。还有如今展示空间的变化——当代的艺术创作都是在大展厅里，而过去的文人画更多是把玩式的，在案头欣赏。追求展厅效果和在笔墨中体现笔性、味道的需要构成了矛盾，这是如今创作思考中的缺失。”

从传统的绘画程序来看，首先要有砚，再加入水和墨研磨，再用笔画于纸。如今许多墨不需要研磨，砚也不再追求上好的端砚，对于文房四宝的要求，也大多都停留在实用阶段。

郑工表示：“由于笔和墨与画家最接近，它们的优势便始终保持着。当以宣纸为中心时，纸的材料特性就成了画家最新的考虑——手法、心性、观念如何与之相适应，这种反向的思维会让画家重新考虑创作思路。”